I7HVN · Entrevista y Podcast · You Play I Write 79

El constante trabajo del artista indio I7HVN en los últimos años le sitúa como una de las voces creativas de Asia más interesantes: su sonido es, a veces, compatible con la pista, pero a través de sus live y sus múltiples influencias artísticas más allá de la música, su sonido no siempre es apto para clubes. Entre el ambient y el IDM, con sus releases explora territorios que cruzan las escenografías dramáticas, la experimentación y la atmósferas magnéticamente misteriosas. Con releases en sellos como Qilla, Circular Limited, Observant y detrás de su colectivo Safar, I7HVN continúa su trayectoria sin prisa pero sin pausa, afianzando tanto su sonido como su identidad musical.

El último release de I7HVN en 2025, Augury, para el sello Rites, es el enlace perfecto que ha propiciado su participación en You Play I Write, firmando con esta entrevista y podcast la edición 79 de la serie.

Tu proyecto se define como una práctica multimedia en la que conviven música, narrativa y un mundo imaginado. ¿Podrías profundizar en cómo surge la intersección entre estos campos creativos y en cómo la música electrónica se convierte en el principal medio de expresión dentro de ese ecosistema?

Soy un productor musical autodidacta y artista visual. Empecé imaginando que la obra que realizo existe dentro de un mundo ficticio y forma parte de un paisaje imaginario. Las temáticas derivan de experiencias y asuntos del mundo real que definen mis intereses, como la crudeza de la realidad, el estado de la humanidad, la historia, la guerra y la magia.

La música se convirtió en el medio principal porque siempre quise crear música y es con lo que conecté de forma más profunda. Otros lenguajes, como el diseño gráfico y el arte 3D, llegaron más tarde, cuando sentí la necesidad de añadir otra dimensión a mi música. Últimamente también he estado experimentando con obra gráfica impresa y cerámica, para introducir una vertiente más tangible.

Has comentado que el proyecto tomó su forma definitiva en 2021, aunque comenzaste en 2013. ¿Qué ocurrió durante ese intervalo? ¿Qué tipo de proceso de aprendizaje o de ruptura marcó esa transición? Pasaste por distintos géneros y enfoques como productor, incluido el melodic techno, por ejemplo. ¿Cómo fuiste forjando progresivamente la identidad sonora con la que te identificas hoy?

Como decía, empecé a aprender producción musical por mi cuenta en 2013. En aquel momento aún vivía en mi ciudad natal y el acceso a internet era un lujo, así que el aprendizaje fue muy lento. Me llevó entre cuatro y cinco años aprender a producir leyendo manuales y los pocos tutoriales que había entonces.

A partir de 2018 comencé mis estudios de ingeniería, lo que también me restó mucho tiempo. Durante ese periodo pasé por muchos géneros, porque todavía estaba intentando encontrar mi sonido. 2021 marca el año en el que entendí que este era el sonido al que pertenecía.

El nombre I7HVN tiene una resonancia simbólica y visual muy marcada. ¿Cómo dialoga tu alias con la idea de identidad?

Es simplemente “Ishan”, mi nombre, escrito de una forma ligeramente extraña. No hay ningún significado ominoso ni críptico detrás. Era bastante joven cuando lo elegí como identidad.

En tu biografía mencionas explícitamente la influencia de lenguajes fantásticos y narrativas míticas. ¿Qué obras, autores o universos simbólicos han marcado tu manera de componer?

Soy un gran admirador de Steven Erikson y de su saga Malazan, así como de las novelas de thriller criminal de Patricia Cornwell. Me interesa mucho escribir ficción y crear mundos propios. También me influyen enormemente el folk horror, los pueblos indígenas y sus culturas, y los acontecimientos históricos, como ya he mencionado.

¿Concibes cada álbum como un capítulo dentro de una narrativa global o cada lanzamiento abre un mundo independiente? ¿O es quizá una combinación de ambos procesos?

Es algo que estoy intentando trabajar ahora, especialmente con los álbumes. Hasta el momento, todo era bastante disperso y seguía vinculando la música a temáticas del mundo real.

Este año, sin embargo, estoy desarrollando mi proyecto de construcción de mundo más ambicioso hasta la fecha, con la intención de crear un proyecto artístico que incluya tanto mi música como objetos tangibles realizados por mí.

Cuando hablas de la atmósfera como herramienta narrativa, ¿qué significa eso en términos creativos? ¿Cómo se construye una atmósfera más allá del uso de las palabras?

Me apoyo mucho en las texturas y las atmósferas en mis tracks. Es uno de los rasgos que define mi música, independientemente del género en el que esté trabajando.

Tu obra transita por el techno, el electro, el IDM y los márgenes más externos de la electrónica y el ambient. ¿Cómo decides el territorio sonoro de cada pieza sin perder coherencia dentro de tu universo artístico global?

Es una buena pregunta.

Intento crear lanzamientos más largos, de un mínimo de cuatro o cinco temas, para poder contar una historia de forma cohesionada. Elijo mezclar estos estilos porque me permiten explorar la narrativa más allá de los géneros y construir atmósferas cinematográficas y dramáticas. Además, concibo cada lanzamiento como una única pieza compilada, más que como algo fragmentado.

Hay una dimensión muy física en tus directos, con ritmos táctiles y estructuras fracturadas. ¿Qué papel juega el cuerpo en tu proceso creativo y en la forma en que actúas en vivo?

Todo el set funciona como un sistema de permutaciones y combinaciones, donde cualquier clip en Ableton puede encajar con cualquier otro, independientemente de la escala o la tonalidad. Es un enfoque muy libre, aunque mayoritariamente centrado en el techno.

¿Cuál es tu relación con la tecnología como instrumento narrativo? ¿Hay herramientas o procesos que se hayan integrado en tu lenguaje compositivo con el tiempo?

Sí, utilizo muchos racks de efectos de audio creados por mí mismo en Ableton. Son colecciones de herramientas de modulación y generación de movimiento que me ayudan mucho en el proceso. Trabajo completamente in the box. También uso bastante PaulStretch, granuladores y shapers.

Si observamos tus lanzamientos recientes como una secuencia dentro de tu evolución como artista (Youthful, Innate Needs, Primal Inflection, Augury), ¿cómo describirías esa trayectoria?

Diría que es bastante sincrónica. He intentado mostrar distintas facetas de mi estilo sonoro y estoy bastante satisfecho con ellas. Son trabajos sombríos y ritualistas; a veces cinematográficos y con un ligero matiz de ciencia ficción, pero, sobre todo, cuentan una historia subyacente.

Cada sello parece haber sido un espacio para explorar diferentes aspectos de tu sonido. ¿Cómo fue el proceso de tu lanzamiento más reciente en Rites?

Rites encajó muy bien con ese lanzamiento. Trabajan un sonido que se alinea de forma natural con mi música, especialmente en su vertiente más cinematográfica y downtempo.

¿Hasta qué punto tu práctica artística está marcada por tu contexto cultural y geográfico en India?

Muchísimo. Me di cuenta bastante tarde de ello, pero el sonido que siempre estaba buscando en realidad estaba muy cerca de mí.

India y su cultura son extremadamente vibrantes, ya que es un país vasto. Las influencias musicales y los instrumentos son igualmente diversos. Me fascinan especialmente los instrumentos de percusión como la kanjira y el ghatam. Las temáticas y culturas indígenas y folclóricas de India me influyen profundamente.

¿Cómo percibes la relación entre las escenas locales y la imaginación global en la música electrónica contemporánea?

He organizado algunos eventos de formato reducido, pero actualmente no estoy muy activo en la gestión de espacios de club. En general, se trata más bien de tocar música. La escena aquí es bastante diversa. Todavía hay pocas oportunidades para la música experimental, aunque está creciendo. El house, el techno y los breaks atraviesan un momento relativamente saludable. Creo que el foco se está desplazando hacia la construcción de comunidad, los sistemas de sonido y la experiencia en la pista.

Fundaste Safar Collective como un espacio para artistas con prácticas introspectivas y procesos experimentales. ¿Qué vacío buscaba cubrir?

Nuestro objetivo es abordar la falta de representación de la música left-field procedente de India y del subcontinente. Comenzó con un fuerte énfasis en proyectos experimentales que involucraban a artistas visuales y productores. Ahora el enfoque ha evolucionado hacia un modelo de netlabel para mostrar cada vez más música experimental de la región.

Hablas de una “evolución creativa a largo plazo”. ¿Cómo se sostiene un proceso así dentro de un ecosistema tan acelerado?

Creo que la evolución creativa a largo plazo es tanto introspectiva como extrínseca. La parte introspectiva tiene que ver con construir mi propio mundo y sus artefactos a través de la música y otros medios. La parte extrínseca proviene de aprender de otras personas, de los fracasos en los proyectos, de corregirlos, de aprender nuevos lenguajes y técnicas, y así sucesivamente.

En un ecosistema acelerado, es aún más importante mostrar quién eres realmente y en qué crees. Eso solo surge del entendimiento profundo de tu propio gusto.

Consideras tus actuaciones como experiencias artísticas y musicales que van más allá del set funcional de club. ¿Cómo construyes ese tipo de experiencia en directo?

Me gusta mezclar géneros. Me centro principalmente en sonidos que resuenan con lo que me gusta y con lo que produzco. Los elementos texturales, cinematográficos, rotos y atmosféricos son fundamentales.

¿Qué aspectos de tu práctica sigues explorando y te gustaría seguir llevando más lejos?

Quiero explorar muchos más medios para definir aún más mi trabajo.

¿En qué proyectos estás trabajando actualmente y qué te depara el año 2026?

Estoy bastante ilusionado con 2026, ya que tengo muchos proyectos cerrados hasta mitad de año. Ahora mismo estoy produciendo música para el tercer trimestre. También espero tocar en más conciertos y grabar más sesiones.

Y para cerrar: ¿cómo encaraste el set que grabaste para You Play I Write que acompaña esta entrevista y qué querías expresar a través de él?

Quería que fuese fiel a mi sonido. La mezcla es muy textural, fragmentada y cinematográfica. Intenté integrar muchas de las influencias que también dan forma a mis producciones.