Toki Fuko: Entrevista y Podcast · You Play I Write 80

Existen ciertos sonidos que combinan el impacto industrial con la belleza de los espacios naturales, y existen artistas que parecen tener un don para convertirlos en composiciones musicales. Criado en un entorno propicio para apreciar esta dicotomía entre el ruido y los sonidos propios de la naturaleza, Toki Fuko es uno de los nombres a escala internacional que mejor ha sabido encauzar musicalmente esta particular manera de entender el techno.

Sin embargo, en esta entrevista, además de hablar de la actuación de Toki Fuko en la edición de Paral·lel Festival de 2024, y de algunos de sus releases como el que incluye la canción Port del Compte dedicado al festival lanzado en el sello Annulled Music (Reflection Code EP), también descubriremos a un artista cuyas inquietudes abarcan mucho más allá. Junto a su sello ambient Troekurovo Recordings, Toki Fuko colabora de manera interdisciplinar con otros músicos y otros proyectos y, según avanza, incluso está deseando producir un álbum de trip hop.

Para acompañar esta entrevista, Toki Fuko comparte para la serie You Play I Write en su edición 80 una sesión live grabada en el club Blank de Sant Petersburg en febrero de 2024.

Has mencionado que en tus primeros días como productor, haber nacido en una ciudad con una fuerte presencia industrial fue un factor determinante. Los sonidos, ruidos y la estética mecánica sobria de ese entorno te atrajeron profundamente, junto con una fuerte conexión con los alrededores, que también estaban estrechamente ligados a la naturaleza. ¿Cómo reconciliabas esta atracción cuando comenzaste a producir música? ¿Pasaste por otros géneros musicales, electrónicos o de otro tipo, antes de entrar plenamente en tu camino hacia el Deep Techno?

Sí, de hecho, nací y crecí en la ciudad industrial de Lipetsk. Esta ciudad alberga uno de los mayores plantas metalúrgicas, donde trabajaba mi padre. En mi juventud, él a menudo me llevaba a la fábrica y me mostraba cómo funcionaba el proceso de producción de acero. Siempre me fascinaban los edificios técnicos monumentales, la maquinaria de la cantera y, especialmente, los sonidos que la fábrica producía durante la producción.

Al mismo tiempo, pasaba mi tiempo libre en el campo, disfrutando de la naturaleza. Amaba los paisajes vírgenes, los bosques, ríos y campos. Disfrutaba despertarme al amanecer para ir a pescar o explorar los bosques. Hasta el día de hoy, esa conexión con la naturaleza es parte de mi meditación.

Siempre fui muy sensible a los paisajes sonoros que me rodeaban. El entorno natural siempre se sentía como silencio, mientras que la ciudad se sentía como ruido de sonidos industriales. En ese entonces, no había internet y escuchaba toda la música que podía encontrar en cintas, pero era un gran fan de The Prodigy.

A veces, amigos de la capital traían cintas piratas de varias estaciones de radio extranjeras con speed garage y psy trance, y escuchábamos esas cintas durante horas. Fue entonces cuando comencé a familiarizarme con diferentes estilos electrónicos de música.

Cuando conseguí mi primera computadora, me topé con un disco que contenía un software de producción musical llamado "Dance Ejay" en octavo grado, y capturó toda mi atención. Disfrutaba creando bocetos musicales a partir de varios loops. Era una manera para mí de sentirme como un productor musical.

Más tarde, busqué música interesante y no convencional para enriquecer mi visión musical. Escuchaba hip hop, rock, breakbeat, jazz… a veces pasaba más tiempo estudiando ciertos géneros que otros, clasificando así mi gusto musical.

Llegué al techno y la música de club un poco más tarde, como graduado de secundaria. Para ese entonces, ya estaba organizando eventos de discoteca en la escuela. Sin embargo, fueron mis amigos mayores quienes me introdujeron en la escena underground, ya que ellos ya estaban tocando en clubes locales con Drum’n’Bass, Progressive House y Electro. Cada vez más, me encantaba la atmósfera y las pistas que tocaban en las fiestas; sentía que estaba descubriendo nueva música constantemente.

A menudo describes tus secuencias rítmicas como una "forma de pensamiento" o un "espacio meditativo". ¿Dónde termina el lado técnico de la producción y dónde comienzan la introspección y la dimensión emocional de tu música? ¿Cuál crees que es el vínculo entre ambos? ¿Pretendes que el público decodifique un mensaje, o más bien que simplemente habite el sonido, su belleza y su intensidad estética?

Cuando escucho música, es importante para mí que la composición tenga una secuencia y una historia emocional. Debe sentirse como un viaje.

La música necesita captar la atención total del oyente e sumergirlo en un estado particular que el artista intenta transmitir.

Mi proceso de grabación puede ser complejo, pero es fascinante porque me encanta experimentar y estoy constantemente buscando algo nuevo.

Ya sea que esté escribiendo ambient o techno, la clave es encontrar un gancho que pueda mantener la atención del oyente durante un período prolongado. Esto podría ser un loop rítmico o una textura de la cual la pista evoluciona gradualmente, paso a paso, agregando varios elementos para contar una historia.

A veces, un loop puede sonar en mi estudio durante horas; lo escucho, y si no me cansa, sé que estoy en la dirección correcta.

En cuanto a mi forma de pensar, es bastante simple: el techno representa el futurismo, los sonidos de las máquinas, fábricas, vida urbana y procesos que se repiten constantemente; el ambient refleja la naturaleza, el cosmos y el estado interno, un viaje dentro de uno mismo.

A menudo, mis obras reflejan mi estado interno, ya sea una proyección de elementos químicos a través de ondas sonoras o la percepción del chamanismo a través del prisma de las culturas del mundo.

Tu transición de software a hardware te ayudó a mejorar, expandirte y, en última instancia, a lograr el tipo de sonidos que buscabas. ¿Qué limitaciones encontraste en el software de producción musical, y cómo te permitieron las máquinas analógicas alcanzar el sonido y la estructura que buscabas? ¿Fue este un proceso relativamente rápido, gradual o intuitivo? ¿Sigues sintiéndote abierto a más posibilidades y mutaciones de tu sonido, o crees que has alcanzado una personalidad estable y definitoria?

En mi trabajo, utilizo tanto instrumentos analógicos como software. En el pasado, no tuve la oportunidad de adquirir herramientas analógicas, así que estudié síntesis en el programa Reason. Mi objetivo principal era entender los principios de la formación del sonido, cómo aplicar el procesamiento de señales necesario y utilizar procesadores de efectos.

El primer sintetizador que obtuve fue el Virus C. Pasé horas explorando sus diversos parámetros y cómo afectan a la formación del sonido. En ese momento, ya estaba trabajando en Ableton Live y disfrutaba usando el sonido crudo del sintetizador, procesándolo a través de diferentes algoritmos y efectos integrados.

Nunca me sentí limitado por las herramientas que usé. En un momento, mi estudio se expandió significativamente. Era fan de Roland y Moog, y tenía una amplia variedad de instrumentos y máquinas de ritmo. Sin embargo, me fui dando cuenta de que no necesitaba tal variedad de instrumentos. Sigo la regla dorada de "menos es más". A día de hoy, mi estudio consiste principalmente en algunos estuches con sintetizadores modulares, máquinas de ritmo y un sintetizador granular que desempeñan tareas específicas durante la grabación de pistas.

Cada día, aprendo a través de la interacción con mis instrumentos. Este proceso es continuo; una vez que logras un sonido deseado, no te detienes ahí, sino que continúas explorando el instrumento y sus capacidades.

Sellos como Annulled Music, donde lanzaste recientemente "Reflection Code", han formado una estética muy clara en el Deep Techno moderno. ¿Sientes que hoy existe una auténtica comunidad global de "exploradores de sonido", o te ves más como un satélite trabajando en aislamiento en tu propio laboratorio?

Por supuesto, estoy seguro de que existen tales comunidades; de lo contrario, artistas talentosos de diferentes rincones del mundo no estarían creando este tipo de música. Sin embargo, sigue siendo una capa subcultural del arte y la sociedad. Como soy parte de esta escena subcultural, me siento como una especie de satélite, transmitiendo sonido desde mi propio laboratorio.

Trabajas tanto en el estudio como con grabaciones de campo, que integras en tus pistas. ¿Cuándo surgió tu curiosidad por grabar sonidos reales? ¿Cómo los integras en tus producciones? ¿Puedes comentar sobre alguna pista donde usaste materiales de grabaciones de campo? ¿Qué sonidos o lugares sueles buscar para estas grabaciones?

Siempre he amado observar los sonidos que me rodean, enfocándome en elementos individuales e imaginando cómo podrían encajar en una composición musical.

Cada lugar específico en el que he estado tiene su propio paisaje sonoro único, ya sea un bosque, un entorno urbano, una desolación invernal junto a un lago congelado o una fábrica abandonada.

Las primeras obras donde comencé a incorporar mis grabaciones de campo fueron en el álbum Spring Ray, lanzado en el sello Silent Season. En ese momento, estaba muy influenciado por Echospace y cómo utilizaban texturas y ruido en su trabajo. Hice muchas grabaciones en varios lugares: bosques, arroyos, calles y pasos subterráneos. Era importante para mí capturar la atmósfera del momento.

Además, tengo un segundo proyecto musical construido en torno al concepto de grabación en vivo e improvisación en el bosque, llamado Troekurovo Recordings. Una vez al año, mis amigos y yo nos reunimos en el bosque, a 70 kilómetros de mi ciudad natal, para improvisar y capturar los sonidos de ese lugar. La idea es simple: sin preparación, solo sintetizadores, micrófonos, grabaciones de campo y amigos. Colocamos diferentes micrófonos en un claro para capturar la atmósfera, integrando todo en sintetizadores modulares mientras improvisamos y grabamos todo el resultado en el proceso.

Has estado lanzando música durante casi veinte años, comenzando alrededor de 2008. Desde aproximadamente 2016, tus lanzamientos se han vuelto más regulares, y desde 2021, el ritmo se ha intensificado aún más. ¿Cómo definirías tu carrera musical en términos de las diferentes etapas por las que has pasado? ¿Se puede decir que en los últimos años has alcanzado una "estabilización" de tu estilo y sonido que te ha permitido trabajar más intensamente?

Sí, mi carrera musical ha pasado por diferentes etapas que me han moldeado en la persona que soy hoy. En los primeros días, lancé minimal house, electro house y progressive house, ya que la música que escuchaba influyó mucho en mi gusto y mentalidad.

Luego, pasé un tiempo significativo escuchando a Basic Channel y Deepchord, lo que me llevó a lanzar más pistas de dub techno. Para mí, esto sigue siendo la base y la mejor forma de combinar la naturaleza (atmosférica) y el estado mecánico (techno) de la percepción del sonido. Sin embargo, la música electrónica está en constante evolución, los estilos se fusionan y surgen nuevas formas.

Continué mis exploraciones y comencé a descubrir nuevos artistas y sellos, uno de los cuales fue Prologue, que influyó considerablemente en mi percepción y enfoque hacia el sonido y el concepto de deep techno. Comencé a colaborar estrechamente con el sello Affin, que me dio un buen comienzo como músico y ayudó a que mi música llegara a una audiencia más amplia. Aún mantengo una gran relación con el fundador del sello, Joachim Spieth, y trato de lanzar música allí de vez en cuando.

He experimentado mucho con mis instrumentos y lanzado numerosas pistas en varios sellos. Todavía tengo un fuerte deseo de seguir produciendo nueva música, explorando diferentes sellos, sumergiéndome en varios conceptos musicales y experimentando. Siempre hay algo por lo que luchar y desarrollar dentro de mí. Si alguna vez siento que he alcanzado "la estabilización", podría ser el momento de concluir mi carrera musical.

A veces, durante la producción, ocurren errores inesperados o cambios sonoros imprevistos que se convierten en parte de la pista. ¿Qué nivel de improvisación o experimentación te permites mientras trabajas en el estudio?

Los errores son perfectamente normales. Como decía mi padre, "solo un tonto no comete errores".

Durante el proceso de grabación, pueden ocurrir errores, pueden aparecer artefactos y puede surgir ruido. A veces, estos pueden eliminarse en la postproducción, pero otras veces pueden dejarse como artefactos que nos recuerdan una grabación en vivo. Todo depende del contexto de la pista.

Por ejemplo, en Troekurovo Recordings, pueden surgir momentos en los que necesito volver a conectar señales a diferentes parámetros de los módulos, lo que puede producir sonidos agudos o duros. Trato de incorporar esos momentos o cortarlos de las grabaciones.

En el estudio, también pueden ocurrir diversas situaciones durante la grabación, incluso cuando no estoy haciendo cambios en el sistema modular. Es un organismo vivo en el mundo del sonido. Antes de grabar, determino los parámetros que controlaré, hago una grabación de prueba y luego creo algunas tomas más. Con el tiempo he ido incorporando una manera de documentar cada acción que realizo, porque ha habido momentos en los que toqué un instrumento y todo sonaba perfecto en ese momento, pero olvidé presionar grabar, y no hubo una segunda oportunidad.

Gracias a tu trabajo en la música has podido visitar, viajar y actuar en muchos lugares diferentes del mundo. Lamentablemente, no estamos viviendo un buen momento en lo que respecta a las relaciones entre países y naciones. ¿Crees que la música y su capacidad de conexión más allá de las fronteras pueden ser una forma de reducir tensiones y conflictos, y de mantener a las personas unidas pese a los tiempos difíciles?

Es una pregunta compleja. Las relaciones entre países y naciones pueden ser muy particulares, pero yo siempre he elegido mantener una posición apolítica. Creo que todos vivimos en un mismo planeta, y que las fronteras existen solo en nuestras mentes. Por desgracia o por fortuna, hay personas que gestionan los procesos globales, y estos no siempre van acorde con la voluntad de la gente común. A nosotros solo nos queda elegir entre seguir las reglas o romperlas.

También entiendo que mi papel en este mundo es crear y tratar de mejorarlo a través de mi arte. Siempre me adhiero a un principio: “Si puedo cambiar algo, lo haré”. Todo lo demás es simplemente palabrería vacía.

La gente reflexiona constantemente sobre distintos acontecimientos que ocurren en el mundo, lo que a menudo deriva en odio y en boicots hacia artistas. Con frecuencia buscan llamar la atención sobre sí mismos en lugar de abordar los problemas reales, o temen por su propia imagen.

El odio y la ira siempre conducen a la destrucción. Mi arma es el amor.

Mi lenguaje es la música. Y si alguien me escucha, significa que nos entendemos.

Uno de los sets más memorables en el festival Paral·lel 2024 fue tu actuación. De hecho, tu pista en Annulled Music, "Port del Compte", parece rendir homenaje a esta experiencia. ¿Qué recuerdas de tu set y la impresión general? ¿En qué otros festivales has podido actuar con ese sentido de libertad y conexión con la audiencia?

Absolutamente, fue un tributo al festival, a los organizadores y a la gente que estaba allí. Fue mi primera vez asistiendo, y quedé profundamente impresionado por la ubicación: la imponente naturaleza, las montañas y la gente. Realmente me gusta el concepto de tener un solo escenario donde todos existen como un todo.

He tocado en varios festivales, y en la mayoría de los casos, implican grandes áreas con diferentes pistas de baile y música, lo que a menudo me hace sentir como si estuviera en una feria. Te mueves entre etapas buscando algo y no puedes sumergirte completamente en la música en ese momento.

El Festival Paral·lel es completamente diferente. Puedes disfrutar de un set de dub techno en un día soleado mientras bebes una cerveza fría y conversas con nuevas personas, y por la noche, sumergirte en techno de baile y disfrutar de los sets de grandes artistas.

Fue un gran honor para mí participar en este festival como artista y compartir mi música con la audiencia. Espero regresar algún día con mi nuevo live performance. Desafortunadamente, actualmente enfrento algunos desafíos logísticos con respecto a los lugares europeos debido a ciertas sanciones, pero sigo abierto a nuevas oportunidades y colaboraciones con varios festivales.

Afirmas que cada día descubres nuevas ideas a través de tu trabajo con máquinas. ¿Hacia dónde se dirige ahora tu curiosidad? ¿Hay territorios sonoros, quizás más allá del techno, que hayas explorado recientemente en tu estudio?

Además de mis propias pistas, también estoy desarrollando mis habilidades en diseño de sonido.

Colaboro con varias exposiciones de arte, artistas multimedia y en publicidad. Recientemente, terminé un álbum colaborativo con Alina Anufrienko (chelo). Este proyecto representa una sinergia entre la síntesis modular y el chelo, resultando en un álbum muy cinematográfico. Me encantaría escuchar este trabajo presentado en una película o actuación.

Actualmente, estoy buscando un sello para este álbum. Creo que será algo nuevo de mi parte, aunque manteniendo mi estilo y carácter distintivos. Además, tengo planes de grabar un álbum de trip-hop.

En otros tipos de actuaciones, a menudo tocas en clubes, espacios cerrados y en una atmósfera nocturna mucho más estricta y oscura que en un festival como Paral·lel. ¿Abordas tu trabajo en clubes de manera diferente? ¿Encuentras formas alternativas de conexión con la audiencia, o notas cambios en sus reacciones dependiendo del lugar?

Ciertamente, siempre preparo mi material en función del lugar donde voy a actuar. Estudio cuidadosamente el espacio y, dependiendo de mis sensaciones al respecto, preparo mi material en consecuencia. También depende de la concepción del evento. A veces, el mismo lugar alberga diferentes eventos con sus propias concepciones. Por ejemplo, en el club Mutabor de Moscú, hay varias plantas. En el escenario principal, puedes tener un festival rave para varios miles de personas, un concierto con una banda, o una actuación ambiental con arte visual donde la gente puede recostarse en sillas cómodas, disfrutando y sumergiéndose en la música.